Inicializamos esta actividad visualizando este siguente video:
Responde a las siguientes preguntas:
¿Esta obra tendra un libreto?
¿Todas las obras teatrales tendran un libreto?
Atentos:
¿Que es un libreto?
¿Para que sirve un libreto?
¿Cuales son sus partes?
¿Como se escribe un libreto?
PROCESO
ELEMENTOS DE UN LIBRETO
(GUIÓN TEATRAL)
El diálogo
es el elemento principal de un guion de teatro. El desarrollo de los guiones de
teatro consiste en la conversación entre dos o más personajes, por medio de los
diálogos. Una obra de teatro se compone de los siguientes elementos:
ACTO
El acto es
cada una de las partes separadas de la obra teatral: Acto 1, Acto 2, etcétera.
CUADRO
Parte del
acto en que aparece la misma decoración.
ESCENA
Parte del
acto en el que intervienen los mismos personajes.
ACOTACIONES
Son las indicaciones
que señalan las entradas y salidas de los personajes, sus actitudes, ademanes y
expresiones en general, además de los cambios de decorado, el lugar donde se
realizan las acciones y todas las indicaciones que sirven para la ambientación
y puesta en escena de la obra.
PERSONAJES
Personas o
seres que le dan vida a los acontecimientos de la obra. Se clasifican en:
Principales: Son los más importantes dentro de la obra; si se quitaran, ésta ya no tendría sentido.
Secundarios: Siguen, en importancia dentro de la obra, a los principales. Acompañan y secundan a éstos.
Ambientales: Aparecen según las necesidades y
circunstancias de la obra, también se les llama circunstanciales o
incidentales.
Un libreto
es una especie de librito donde está escrito lo que tienen que decir cada actor.
Ejemplo 1:
MARCELA: Hola Martin
MARTÍN : Hola Marcela.
Te imaginas
si Martin en vez de decir su texto dice: Hola
María....Nadie entendería nada
En un
libreto todo tiene relación con todo. Nada esta puesto porque sí. Los actores
están conscientes de eso.
Un libreto
se divide en tres partes por lo menos:
Nombre.
El texto
Contexto y acciones
Explicaremos
cada una de ellas
Primero
explicaremos el NOMBRE. El nombre es
el nombre del personaje que dice un texto. Este va siempre en MAYÚSCULA
Ejemplo 2:
JUAN:
(Juan mira a los ojos a Gaby) El amor se ve en tus ojos.
GABY: (Gaby mira a los ojos a Juan) El amor se ve en tus
ojos.
En este
ejemplo podemos ver que hay dos Nombres. El primero que es JUAN y el segundo
que es Gaby. Se diferencian del resto del texto porque están escritos con
mayúscula y adelante tienen dos puntos.
Ahora
pasemos al TEXTO. El texto es lo que
tiene que decir el actor. Esta escrito de forma clara.
Ejemplo 3:
JUAN: (Mira
a los ojos a Gaby) El amor está en tus ojos.
GABY: (Mira
a los ojos a Juan) El amor está en tus ojos.
En el
ejemplo 3 se puede ver claramente cómo se distingue el texto.
No
está encerrado entre paréntesis
Está
escrito en forma clara
IMPORTANTE:
Los nombres
de los personajes cuando se escriben en el texto, se lo deben hacer en forma
normal (Gaby) y no todo con mayúscula (GABY)
Ejemplo
4:
JUAN: (Mira los ojos a Gaby) El amor, Gaby, está
en tus ojos
GABY: (Mira a los ojos a Juan) El amor, Juan, está
en tus ojos
Para explicar
el CONTEXTO Y LAS ACCIONES son las
acciones y acotaciones que van entre paréntesis (xxxxxxxxxxxxxx), esta indican
acciones, estados anímicos, ocurrencias externas, etc.
Ejemplo 5:
JUAN: (Mira los ojos a Gaby) El amor, Gaby,
está en tus ojos
GABY: (Mira con asombro a Juan) El amor
Juan, es lo que nos está pasando ahora.
Para iniciar esta actividad visualizaremos el siguente video.
Responde a las siguentes interrogantes:
¿Como se llama al genero que pertenece esta expresion artistica?
¿Alguna vez practicaste este genero teatral?
¿Los escuchaste hablar alguna vez?
Atento....
¿Crees que es el unico tipo de ganero teatral?
¿Escuchaste hablar del teatro negro?
¿Alguna vez actuaste de mimo?
PROCESO
EL MIMO
El mimo es una forma dramática de carácter popular que surge
en la Antigüedad Griega, que suele tener carácter realista y, fundamentalmente,
satírico. Tiende a la personificación, a la tipificación de los personajes, y
utiliza a menudo la improvisación, la imitación de animales y elementos
acrobáticos. Posee formas literarias que aparecen hacia el siglo v a.C. en Siracusa
con Sofrón y Epicarmus.
El mimo influiría y conformaría la Comedia Griega Antigua.
Las compañías de mimo gozaron de gran popularidad, no sólo en Grecia sino
también en Roma. La Iglesia excomulgaría estas compañías en el siglo v d.C.
Por mimo se entiende no sólo la forma dramática que no
utiliza las palabras, sino también el actor que la desarrolla. El mimo también
es conocido con el nombre de pantomima y suele confundirse con todas las formas
de teatro popular y muy especialmente con la Commedia dell'Arte, con el Circo y
el Music-hall. Pero cada vez se tiende más a definir estéticamente el arte del
mimo y la pantomima.
La palabra griega "mimo" significa imitación de la
realidad; el mimo imita la vida que ve, al principio era una forma hablada y
cantada, además de corporal.
Suelen emplearse una serie de palabras asociadas:
Mímica: conjunto de gestos corrientes y otros ligados a la
expresión artística.
La obra representada también puede denominarse mimo, otras
veces como mimodrama y a veces como pantomima.
Según la RAE se trata de un: "actor, intérprete teatral
que se vale exclusiva o preferentemente de gestos y de movimientos corporales
para actuar ante el público."
Es el arte de expresarse mediante el gesto y el movimiento,
prescindiendo de la palabra o lenguaje verbal. El mimo utiliza todos los
elementos del cuerpo para expresar la información, pero sin emitir una sola
palabra.
Los mimos son artistas que necesitan entrenar con profusión
las distintas partes de su cuerpo con el fin de transmitir la información
deseada a las personas que los observan. Resaltar que el simbolismo o código
específico y fuerte tecnificación lo convierten en una actividad muy
repetitiva, que exige una enseñanza directiva y analítica con poco margen a la
espontaneidad.
En palabras de Marcel Marceau "la palabra tiene más
posibilidades de expresión; puede mentir, tener doble sentido, doble intención.
El mimo debe sujetarse a un proceder claro y visible. No debe proponer enigmas,
debe ser inmediatamente entendido y atrapar al espectador por las formas, la
belleza y el contenido del mensaje". Marcel define al mimo como el arte
del silencio.
Visualiza una acuacion de un mimo.
TEATRO NEGRO
Podemos puntualizar que el teatro negro es una
escenificación que se lleva a cabo en un espacio totalmente oscuro y en
condiciones lumínicas especiales, utilizando la "luz negra". Esta luz
hace que ciertos tejidos, materiales y colores resalten, sumergiendo al negro
en la nada.
Los contrastes de luces con la oscuridad más absoluta
permiten que las personas u objetos vestidos totalmente de negro se hagan
invisibles; de igual forma hacen aparecer cualquier material fluorescente,
posibilitando lo que nosotros hemos dado en llamar "trampantojos" o
milagros escénicos. A partir de aquí nuestra imaginación puede volar.
El Teatro Negro se basa fundamentalmente en la combinación
del negro y los colores fluorescentes. Usaremos el negro para todo aquello que
no queramos ver y los fluorescentes para destacar las imágenes que expresen los
movimientos o las ideas a representar.
¿QUÉ ES?
El teatro negro es originario de la antigua China donde
desde hace cientos de años ya se comenzó a desarrollar esta expresión artística
que se popularizó con la compañía teatral de Praga.
Estas obras se desarrollan en un escenario que se encuentra
completamente de negro, donde mediante un juego de luces y contrastes de
colores se van generando y desarrollando las diferentes acciones.
Pueden ser obras con diálogos o las más comunes son aquellas
que son completamente mudas y que llevan un acompañamiento sonoro.
Los actores de teatro negro se visten totalmente de negro y
utilizan colores que resalten diferentes partes del cuerpo, lo que se hace con
colores como el blanco o tonalidades flúorecentes (flúo) que contrastan con las
luces.
Este tipo de obras crean ilusiones ópticas y excelentes
efectos visuales, donde mediante la creatividad se puede conseguir cualquier
cosa ya que no hay límites para las acciones.
EL TEATRO NEGRO DE
PRAGA
El grupo de teatro negro de Praga es la mejor compañía del
mundo en este tipo de obras y hace giras por todo el mundo cada vez que estrena
en cartelera un nuevo guión.
Son expertos en la técnica llamada “caja oscura”, donde
mediante una serie de objetos flúo logran un perfecto efecto en el que parece
que los actores están flotando en el aire.
UN POCO DE HISTORIA
El teatro negro moderno nació en los años 50, principalmente
a través del artista vanguardista francés George Lafaille, que a menudo se le
llama el ` el padre del teatro negro. Muchos titiriteros checos de los grupos
de “Salamandr” y ` Spejbl y Hurvinek ' vieron sus funciones en 1955 y llevaron
esta invención de vuelta a su país nativo.
El primer grupo de la familia del teatro negro en Praga fue
fundado en 1959 por Sr. José Lamka y señora Hana Lamkova. Un año más tarde en
1960 el Sr. Jiri Smec dejó a este grupo y fundó su propio teatro. Y finalmente,
no debemos olvidarnos de los gigantes de la escena de la época tales como
Stanislavski que en su famosa presentación de “Pájaro azul” también utilizó
este truco.
Después de la invención de la lámpara ultravioleta, durante
la era hippie de los 60s y 70s, se convirtió en una moda entre la gente joven
que buscaba nuevos colores para representar el término "libertad". En
esta época del “nuevo” tipo de teatro, la oscuridad total era necesaria, junto
con una cantidad masiva de material negro y de pintura negra para proporcionar
un fondo negro, así como la iluminación ultravioleta para el resto de colores
(visibles) fluorescentes.
La iluminación ultravioleta, también llamada iluminación
negra porque proporciona una fuente de luz invisible en condiciones de completa
oscuridad, junto con los pasillos oscurecidos del teatro cubiertos con los
materiales negros, proveyó a este tipo especial de teatro con su nombre:
“Teatro de Luz Negra”.
Este siglo XXI es una época de tecnologías que se
desarrollan rápidamente y el “Teatro Negro multimedia” esta más que listo a
revelar todas sus maravillas al mundo. Hoy está Listo para usar en una
plataforma multimedia. Hay muchas facetas y usos para este tipo de teatro.
Desde una demostración straight-forward de marionetas hasta una presentación
completa de multimedia. Usted solo podrá lograr lo que sea capaz de soñar.
Imagínese sumergido en un mundo de luces, magia y fantasía y experiméntelo para
sí.
Visualiza una muestra escenica del teatro negro:
Un momento de relax:
Evalua tus conocimientos, haz clic en la siguiente imagen.
¿Seria capaz de
realizar una presentacion teatral?
PROCESO
DEFINICIÓN DE TEATRO
El término teatro procede del griego theatrón, que
puede traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.
El teatro forma parte del grupo de las artes
escénicas. Su desarrollo está vinculado con actores que representan una historia
ante una audiencia. Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como la
gestualidad, el discurso, la música, los sonidos y la
escenografía.
Por otra parte, el concepto de teatro se utiliza para
nombrar al género de la literatura que abarca aquellos textos pensados para su
representación en escena, y también al edificio donde se representan las piezas
teatrales.
Por ejemplo: “Un autor argentino recibió un
importante premio por una obra teatral en Eslovenia”, “Te propongo que mañana
vayamos al teatro”, “Mi sueño es ser actor de teatro y vivir de mi
arte”.
La práctica teatral está formada por un todo que no
puede dividirse. Es posible, sin embargo, distinguir tres elementos básicos,
como el texto (aquello que dicen los actores), la dirección (las órdenes que
dicta el responsable de la puesta en escena) y la actuación (el proceso que
lleva a un actor a asumir la representación de un personaje). A estos
componentes se pueden sumar otros elementos muy importantes, como el vestuario,
el decorado o el maquillaje.
Cabe destacar que quienes escriben obras de teatro
son conocidos como dramaturgos, aunque la definición específica del término hace
referencia al escritor de dramas o de teatro dramático.
BREVE
HISTORIA DEL TEATRO
Los orígenes históricos del teatro están asociados a
la evolución de los rituales relacionados con la caza y con la recolección de
frutos y alimentos propios de la agricultura, que desembocaron en ceremonias
dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las divinidades. Estos
rituales también sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo
social.
De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica,
cuando esta idea religiosa fue llevada a la perfección. Se crearon entonces las
representaciones teatrales, donde la coreografía, la música, la recitación y el
texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del teatro tal
cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como
Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha
resaltado Aristófanes. En dicha época tanto comedia como tragedia permitía
expresar ideas políticas, sociales y religiosas, necesarias para entender el
tiempo en el que se vivía.
En el Antiguo Egipto (a mediados del segundo milenio
antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con la muerte y la
resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en
las dramatizaciones.
A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar
una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían
espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el mismo fin. En este período
surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar valores y elementos populares
realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español ocupa un lugar
importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega,
Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el
teatro popular cobra gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare
y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.
De este modo, el teatro es una de las disciplinas
artísticas que puede identificarse con el tiempo en el que vive. Las obras
teatrales responden al período en el que fueron creadas y permiten conocer a
fondo los aspectos sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de su
autor.
ALGUNOS
NOMBRES IMPRESCINDIBLES EN EL TEATRO
Entre los autores que más han aportado al teatro se
encuentra William Shakespeare. Nació el 25 de abril de 1564 en el Reino Unido y
se dedicó a escribir obras de teatro y poesía, además era actor. Su vida ha sido
puesta en entredicho en más de una ocasión, sobre todo su sexualidad, sus ideas
religiosas e incluso la autoría de sus obras. De todas formas, no existen
pruebas que permitan saber si dicho rumor es verdadero, así que de momento es
Shakespeare uno de los autores teatrales de mayor prestigio. Entre sus obras
destacan “Hamlet”, “Romeo y Julieta” y “Otelo”.
Lope de Vega es conocido como uno de los autores de
teatro español más importantes de la península. Se cree que compuso más de 1.400
comedias y unas tantas tragedias. Sus obras se caracterizan por una originalidad
poco común en su tiempo (rechazó el modelo clásico impuesto por los griegos),
ofreciendo un teatro con carácter puramente nacional.
Además rompió con los esquemas aristotélicos que
dividían al teatro en comedia y tragedia y en sus obras fusionó ambos estilos
consiguiendo un estilo absolutamente nuevo y único. En sus obras se resalta el
honor del pueblo, de los viejos y los campesinos, por mencionar algunas: “El
mejor alcalde”, “Fuenteovejuna”, “El villano en su rincón”, “La estrella de
Sevilla” y “El Caballero de Olmedo”.
¿A QUE EPOCA DE NUESTRA HISTORIA PERTENECERA ESTAS
DANZAS?
¿CONOCES ALGUNA DANZA INCA?
PROCESO
La historia de la danza está
relacionada íntimamente con el desarrollo de las otras artes porque aparecen
casi simultáneamente obedeciendo al primer acto intuitivo del hombre que es el
de la sobrevivencia.
En la etapa prehispánica, desde sus
orígenes – hace casi 10,000 a.C. – la danza va a estar ligada a la magia y a la
fertilidad. Los factores que determinaron esta orientación se dieron por la
adversidad del territorio peruano para la práctica de la agricultura, una
actividad básica para el sustento del hombre, teniendo que recurrir a fuerzas
extraordinarias e ingeniosas, además a adoptar ciertas creencias tutelares que
originarían su religión panteísta como el culto a la tierra (pachamama)
justamente por reverenciar su grado de productividad.
A través de la cerámica se puede
evidenciar que la danza prehispánica era de tipo ritual, así podemos
clasificarlas en:
DANZAS GUERRERAS las que se practicaban
después de someter a pueblos vecinos y que servía para rendir culto a la
victoria.
DANZAS MACABRAS en la que se
representaban sacrificios humanos para beneplácito de sus
dioses.
DANZAS AGRÍCOLAS relacionado a los
asuntos de la siembra y cosecha, conforme al calendario
agrícola.
En la colonia, los españoles de manera
compulsiva, más que persuasiva, trataron de imponer sus propios valores
culturales. El aspecto religioso resulta ser un componente de especial
significación en esta intención ya que los españoles quisieron captar
ideológicamente a los hombres del ande destruyendo todo vestigio material y
espiritual de sus dioses, estableciendo para ello algunos ritos católicos como
la celebración de misas, bautismos, confirmaciones y matrimonios. Pero la
población nativa, dada su raigambre, se dedicaron a boicotear o distorsionar la
labor de los catequizadores y no dejaron de realizar sus grandes concentraciones
populares para cantar y danzar. Cuando eran perseguidos por continuar sus
prácticas, consideradas diabólicas, se vieron obligados a ocultar sus huacas,
sus dioses, sus creencias o sus bailes para ejercerlos clandestina o sutilmente
mientras ejercían la nueva religión occidental, surgiendo como consecuencia una
nueva expresión mestiza.
Pero la danza en la colonia no sólo
contemplaría influencias de la contradicción hispano – indígena, sino de otra
nueva cultura. Como se sabe, durante la colonia se produjo la llegada del hombre
negro en condición de esclavos para trabajar en las haciendas costeñas y también
en las minas. Al encontrarse con la cultura hispana y la cultura andina se
produciría un choque de identidades dando lugar a ciertos mestizajes que
tipificarían las tradiciones negras del Perú y que generalmente se ubicarían en
la costa.
Ciertamente no se puede dejar de
mencionar las propias características del arte español, considerado por ellos de
grado superior en comparación del indígena y del negro. Los españoles se
divertían en sus reuniones públicas o privadas con danzas cortesanas propias de
su país y otros de estilo afrancesado como es el baile del minué, muy de moda en
esa época.
En el periodo republicano se siguieron
practicando las manifestaciones prehispánicas que aún se conservaban
clandestinamente y aquellas amestizadas que se fueron consolidando desde la
colonia. Sería a partir del año 1917, cuando se da espacio para la práctica de
la danza culta y el ballet clásico incentivados por la visita de famosas
bailarinas como la norteamericana Isadora Duncan y de la rusa Anna Pavlova. De
esta manera queda establecido otra vez el contraste entre el arte culto y el
arte popular, como en otras expresiones artísticas. El ballet clásico es
actualmente promovido, entre otras instituciones, por La Escuela Nacional
Superior de Ballet, mientras que La danza moderna – que deriva desde expresiones
sumamente intelectualizadas hasta meramente gimnásticas – tiene entre sus
cultores a la Compañía de Danza Contemporánea dirigida por Morella Petrozzi y a
la vez entre los difusores de la Danza folklórica, podemos mencionar al Conjunto
Nacional del Folclore José María Arguedas, a Perú Negro, al Centro de Estudios
Folclóricos de la Universidad Católica del Perú, etc.
En cuanto a las danzas selváticas,
considerando su prolongado aislamiento cultural, ha preservado por mucho tiempo
la pureza de sus danzas étnicas, incluso en el periodo colonial. Sería a fines
del siglo XX, con el establecimiento de poblaciones foráneas en la selva cuando
surgiría una danza mestiza, como consecuencia de los aportes culturales de
diferentes regiones del país y del extranjero.
SALIDA
ACTIVIDADES:
Organiza
los contenidos en una línea de tiempo utilizando dibujando lo mas representativo
de cada etapa.
¿Por qué las danzas prehispánicas
estuvieron ligados a la magia y a la fertilidad?
¿Qué componentes culturales se
presentaron en la danza colonial?
¿Cuál es la diferencia que existe entre
una danza folklórica de una danza culta?
¿Qué tipo de identidad cultural
representa más en la selva, por
qué?
Responde esta pregunta en forma digital y envialos en el siguente link
Para
iniciar esta sesion de aprendizaje visulizaremos el siguiente
video:
Responde a los siguientes
interrogantes:
¿Que se represento en el
video?
¿Es danza o es
teatro?
¿Porque?
Ante esa propuesta
visualizada:
¿Podrias realizar una
propuesta coreografica similar?
¿De que tema?
PROCESO
QUE ES LA DANZA
TEATRO
Es la mezcla de los distintos
lenguajes artísticos (danza y teatro) es una característica fundacional de las
vanguardias históricas que acometieron su objetivo de renovación de las
artes propiciando su transversalidad e intercomunicación. Desde entonces
las experiencias creativas más innovadoras se cuecen en el espacio de lo
fronterizo, en la periferia de los géneros, donde lo mixto se hace fértil y en
donde nacen los más hermosos híbridos.
Como se sabe, el concepto de
"teatro-danza", desarrollado a mediados de los
setenta, tiene su eclosión en los ochenta de la mano de Pina Bausch y pronto se
convirtió en uno de los más importantes artículos culturales de exportación de
Alemania (Schlicher, 1987). Desde entonces el recíproco intercambio entre teatro
y danza se ha dado en mayor o menor medida en toda Europa.
Ambos géneros exploraron su
complementariedad con la intención de revitalizar sus formas de expresión y
hallar nuevas maneras de encontrarse con sus contemporáneos. El teatro tomó
prestadas de la danza una consideración más atenta por el lenguaje corporal y
cinético y una libertad de experimentación lejos de la tutela textual y de las
inercias al uso.
La danza por su parte se abrió
a una mayor conciencia de la realidad y una atención hacia lo narrativo que la
llevaría a realzar la dimensión escenográfica y objetual y a empujar al bailarín
hacia la condición de personaje que representa emociones y conflictos,
especialmente a través de un método de trabajo basado en la improvisación tanto
por lo que atañe a la composición como a la búsqueda del movimiento corporal y
expresivo llevada a cabo sobre vivencias y experiencias de los propios
intérpretes.
Claro que conviven
sensibilidades dancísticas muy diferentes, con estilos, tradiciones
coreográficas, trayectorias vitales y objetivos radicalmente distintos, cosa que
enriquece extraordinariamente el panorama creativo, cuyos coreógrafos y
bailarines son reconocidos por su creatividad, su energía y su
frescura.
PROCESOS A DESARROLLAR UN PROPUESTA DE
DANZATEATRO
IDENTIFICA el tema a trabajar (puede elejir un hecho social o folklorico de
tu localidad)
DECRIBE las partes
de lo hecho en mencion
GENERA un orden de
tu propuesta coreografica
REPRESENTA en
forma ordenada tu secuencia.
Ejemplo: (del
video observado)
LA CONQUISTA del imperio incaico
Segun la historia un grupo de españoles llego a america del sur para
conquistar el imperio incaico.
Del analiz de la historia se concluye en la siguientes partes importante: La
vida en el imperio y la conquista.
Aqui se representa:
La tranquilidad y arminia con la que se vivia en el imperio
